Californian Swimming Pools
Les piscines de David Hockney
Quand on pense à David Hockney, vient presqu’immédiatement à l’esprit la série des piscines. Et pourtant il n’en a réalisé que peu, environ une dizaine.
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| A Bigger Splash, 1967 |
Par sa diffusion, par son extraordinaire succès public, A Bigger Splash a contribué à forger l'image d'un David Hockney monomaniaque, peintre obsessionnel des piscines d'Hollywood. Le chlore, pourtant, n'exhale qu'épisodiquement de la peinture de Hockney À peine dix piscines, ce qui est un minimum pour quiconque a survolé un jour Los Angeles, pastillée par une multitude de haricots turquoises.
A Bigger Splash est une parfaite image promotionnelle de la Californie, une épure des symboles de son mode de vie, des poncifs de son décor. Un ciel parfaitement pur, des maisons basses et modernes, largement ouvertes, des palmiers aux toupets haut perchés et, bien sûr, des piscines, encore des piscines... Une chaise " de producteur " rappelle par sa présence que Hollywood n'est pas loin. Une telle synthèse n'a pas jailli ainsi constituée de la brosse de Hockney. Deux tableaux de 1966 annoncent A Bigger Splash The Little Splash, le premier de la série, dessine une piscine aux formes encore curvilignes. Il montre une maison, dont le toit pentu sacrifie davantage à la nostalgie qu'aux lois locales de la pluviométrie. The Splash, la même année, soumet cette fois la piscine à la rigueur de l'orthogonalité. Le lointain d'un paysage, la perspective d'un socle pour sculpture moderne creusent encore un espace que le Bigger Splash écrasera violemment. Comme seule suggestion d'un espace en profondeur, A Bigger Splash ne retient plus en effet que la ligne d'un plongeoir, tracée en diagonale. Seules, ou à peu près, les feuilles d'un palmier le distingue d'une oeuvre de Près Mondrian. Pour s'assurer de la planéité de ses plages colorées, Hockney va jusqu'à délaisser ses brosses au profit du rouleau.
Quand il peint sa première piscine en 1964, David Hockney a 27 ans. Il l'a peinte en quelques jours. Sans se poser de questions. Plus tard, en 1967, au moment d'exécuter A Bigger Splash, son tableau le plus célèbre, sa piscine ultime, il mettra tout au plus quinze jours. Il n'a pas l'âge de se poser la question d'une dernière réussite, dans laquelle se redéploierait toute son oeuvre. Il est au contraire à son zénith, dans la pleine puissance, dans la totale insouciance de sa jeunesse, il embrasse le ciel.
Dans A Bigger Splash, Hockney peint l'éclaboussement que provoque l'entrée dans l'eau chlorée d'un jeune apollon en lequel on devrait reconnaître son amant : Peter Schlesinger, modèle de quasiment tous ses tableaux de piscine. Sauf qu'il n'y a aucun corps visible dans cette toile : il y a le bleu du fond de la piscine, et le blanc d'une écume désormais suspendue pour l'éternité. Et tout autour de la piscine, il y a le soleil, le soleil américain, qui avale l'ombre. Le tableau entier baigne dans l'utopie : celle d'un éden possible, la Californie, paradis contemplatif. Ce tableau vous fait croire qu'il n'y a plus lieu de revenir en arrière : le monde a désormais atteint son seuil de perfection. Le monde est saisi dans une jeunesse éternelle.
Comme nombre des tableaux peints depuis le milieu des années soixante, A Bigger Splash est bordé par un cadre blanc, peint sur la toile elle-même. Le peintre considérera un peu plus tard cette marge comme une forme de complaisance à l'endroit du modernisme. Avant d'affirmer le tableau comme image ready-made, avant d'évoquer les polaroïds, le cadre blanc vise ici à affirmer la dimension " moderne" (abstraite et bidimensionnelle) des images qu'il cerne.
La photographie est toutefois bien à l'origine du Bigger Splash. Une publicité, trouvée dans un ouvrage consacré à la construction des piscines, en est la source avérée. À moins que l'orthogonalité d'un échiquier n'en soit le vrai modèle...
À Berkeley, dans le nouvel et vaste atelier qu'il vient d'investir, Hockney découvre qu'il a pour voisin Ron Davis, un artiste adepte de l'abstraction géométrique qui, comme lui, expose dans la galerie de Nick Wilder. Bientôt amis, les deux peintres passent de longs moments à jouer aux échecs …
"L'idée de passer quinze jours à peindre un événement qui n'a duré que deux secondes me plaisait énormément. Tout le monde sait qu'une gerbe d'eau ne peut geler instantanément. C'est impossible. Une photo se prend en moins d'une seconde. Si la gerbe d'eau est nette, c'est qu'elle a été prise en moins de 1/16e de seconde. Un temps moins long que celui de son existence. Moi, au contraire, j'ai mis beaucoup plus longtemps à peindre le tableau que la durée de la gerbe", écrivait-il dans David Hockney par David Hockney à propos du fameux A Bigger Splash.
Il est depuis revenu quelques fois sur le motif, sur son problème : la représentation la plus exacte du mouvement invisible de l'eau. "C'est dans une piscine que l'eau change d'aspect le plus souvent : ses rythmes ne reflètent pas que le ciel mais aussi le fond de la piscine grâce à sa transparence."
A Bigger Splash est une parfaite image promotionnelle de la Californie, une épure des symboles de son mode de vie, des poncifs de son décor. Un ciel parfaitement pur, des maisons basses et modernes, largement ouvertes, des palmiers aux toupets haut perchés et, bien sûr, des piscines, encore des piscines... Une chaise " de producteur " rappelle par sa présence que Hollywood n'est pas loin. Une telle synthèse n'a pas jailli ainsi constituée de la brosse de Hockney. Deux tableaux de 1966 annoncent A Bigger Splash The Little Splash, le premier de la série, dessine une piscine aux formes encore curvilignes. Il montre une maison, dont le toit pentu sacrifie davantage à la nostalgie qu'aux lois locales de la pluviométrie. The Splash, la même année, soumet cette fois la piscine à la rigueur de l'orthogonalité. Le lointain d'un paysage, la perspective d'un socle pour sculpture moderne creusent encore un espace que le Bigger Splash écrasera violemment. Comme seule suggestion d'un espace en profondeur, A Bigger Splash ne retient plus en effet que la ligne d'un plongeoir, tracée en diagonale. Seules, ou à peu près, les feuilles d'un palmier le distingue d'une oeuvre de Près Mondrian. Pour s'assurer de la planéité de ses plages colorées, Hockney va jusqu'à délaisser ses brosses au profit du rouleau.
Quand il peint sa première piscine en 1964, David Hockney a 27 ans. Il l'a peinte en quelques jours. Sans se poser de questions. Plus tard, en 1967, au moment d'exécuter A Bigger Splash, son tableau le plus célèbre, sa piscine ultime, il mettra tout au plus quinze jours. Il n'a pas l'âge de se poser la question d'une dernière réussite, dans laquelle se redéploierait toute son oeuvre. Il est au contraire à son zénith, dans la pleine puissance, dans la totale insouciance de sa jeunesse, il embrasse le ciel.
Dans A Bigger Splash, Hockney peint l'éclaboussement que provoque l'entrée dans l'eau chlorée d'un jeune apollon en lequel on devrait reconnaître son amant : Peter Schlesinger, modèle de quasiment tous ses tableaux de piscine. Sauf qu'il n'y a aucun corps visible dans cette toile : il y a le bleu du fond de la piscine, et le blanc d'une écume désormais suspendue pour l'éternité. Et tout autour de la piscine, il y a le soleil, le soleil américain, qui avale l'ombre. Le tableau entier baigne dans l'utopie : celle d'un éden possible, la Californie, paradis contemplatif. Ce tableau vous fait croire qu'il n'y a plus lieu de revenir en arrière : le monde a désormais atteint son seuil de perfection. Le monde est saisi dans une jeunesse éternelle.
Comme nombre des tableaux peints depuis le milieu des années soixante, A Bigger Splash est bordé par un cadre blanc, peint sur la toile elle-même. Le peintre considérera un peu plus tard cette marge comme une forme de complaisance à l'endroit du modernisme. Avant d'affirmer le tableau comme image ready-made, avant d'évoquer les polaroïds, le cadre blanc vise ici à affirmer la dimension " moderne" (abstraite et bidimensionnelle) des images qu'il cerne.
La photographie est toutefois bien à l'origine du Bigger Splash. Une publicité, trouvée dans un ouvrage consacré à la construction des piscines, en est la source avérée. À moins que l'orthogonalité d'un échiquier n'en soit le vrai modèle...
À Berkeley, dans le nouvel et vaste atelier qu'il vient d'investir, Hockney découvre qu'il a pour voisin Ron Davis, un artiste adepte de l'abstraction géométrique qui, comme lui, expose dans la galerie de Nick Wilder. Bientôt amis, les deux peintres passent de longs moments à jouer aux échecs …
"L'idée de passer quinze jours à peindre un événement qui n'a duré que deux secondes me plaisait énormément. Tout le monde sait qu'une gerbe d'eau ne peut geler instantanément. C'est impossible. Une photo se prend en moins d'une seconde. Si la gerbe d'eau est nette, c'est qu'elle a été prise en moins de 1/16e de seconde. Un temps moins long que celui de son existence. Moi, au contraire, j'ai mis beaucoup plus longtemps à peindre le tableau que la durée de la gerbe", écrivait-il dans David Hockney par David Hockney à propos du fameux A Bigger Splash.
Il est depuis revenu quelques fois sur le motif, sur son problème : la représentation la plus exacte du mouvement invisible de l'eau. "C'est dans une piscine que l'eau change d'aspect le plus souvent : ses rythmes ne reflètent pas que le ciel mais aussi le fond de la piscine grâce à sa transparence."
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| California, 1965 |
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| Portrait of an Artist (Pool with Two Figures), 1971. 214 x 304.8 cm |
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| Day Pool with Three Blue, 1978, 183 x 218 cm |
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| La gerbe d’eau, 1966. Acrylique sur toile, 183 x 183 cm |
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| Portrait of Nick Wilder, 1966. Acrylique sur toile, 183 x 183 cm |
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| Piscine et marches. Le nid du duc, 1971. Acrylique sur toile, 183 x 183 cm |
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| Peter sortant de la piscine de Nick, 1966. Acrylique sur toile, 214 x 214 |
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| En 1968 Hockney fut commissionné pour peindre la piscine de l’hôtel Roosevelt de Los Angeles. La piscine est toujours en service à ce jour. Hockney au travail dans la piscine de l’hôtel Roosevelt |
Paper pools 1 : https://www.artsy.net/article/phillips-going-deep-david-hockney-s-paper-pools
paper pools 2 : https://www.artsy.net/article/phillips-david-hockney-paper-pools
Didier Ottinger (Commissaire esposition David Hockney Centre Pompidou 2017)
paper pools 2 : https://www.artsy.net/article/phillips-david-hockney-paper-pools
Phillips: Evening and Day Editions
Didier Ottinger (Commissaire esposition David Hockney Centre Pompidou 2017)
– Très tôt, David Hockney recourt aux techniques traditionnelles de reproductibilité des oeuvres d’art, comme la gravure, puis se passionne pour la photographie, le fax, la photocopieuse couleur, l’iPad, les caméras HD, etc. On découvrira que dès le début des années 1960 il pratique et utilise massivement la photographie, éditant ses clichés dans des portfolios peu connus, sources d’un certain nombre de ses tableaux célèbres. Comme un fil rouge dans l’exposition apparaîtront ainsi fax, photos, photocopies …
Son statut d’artiste populaire se cristallise au moment de l’effervescence de la scène anglaise, des Swinging Sixties. Il est à cette époque l’équivalent des grandes pop stars, des musiciens de rock. Le film A Bigger Splash de Jack Hazan contribue à faire de lui, au-delà du peintre, une figure quasi mythologique. Il incarne les valeurs de la culture pop anglaise.
Plus fondamentalement, l’attachement d’un très large public à son art tient sans doute à sa singularité, qui est celle d’un créateur qui affirme peindre pour témoigner de son émerveillement devant le monde, qui rend compte d’une attitude résolument positive. Il faut revenir à Matisse, au cinéma de Jean Renoir pour trouver la joie, l’optimisme qu’exprime l’art de David Hockney.
Ses Paper Pools détournent figurativement la peinture abstraite du champ coloré, ses peintures de piscines citent les idiomes de la peinture abstraite de l’époque, des formes de L’Hourloupe de Jean Dubuffet aux “spaghettis” de Bernard Cohen. Aujourd’hui encore, ses tableaux les plus récents renvoient aux peintures à bandes de Frank Stella des années 1950.
L’art de Hockney est très vite assimilé au pop art. Au moment où il est étudiant au Royal College de Londres, un prix est traditionnellement décerné à un étudiant par une personnalité de l’art contemporain anglais. Richard Hamilton est sollicité par le département de peinture du Royal College pour décerner ce prix dont il gratifie Hockney. Cet adoubement a valeur de certificat. Il convient toutefois de s’interroger sur la nature de ce pop art anglais, en grande partie déterminé par la présence et l’enseignement à Londres d’un des pionniers du pop américain, Larry Rivers. Larry Rivers, dans les années 1950, a été un des tout premiers artistes américains à travailler sur les images, le style qui va caractériser le pop, sur le détournement de la publicité, des images de la communication de masse. A la différence de Lichtenstein ou Warhol, le style de Rivers ne visera jamais à l’anonymat, mais, comme celui de Jasper Johns, restera attaché à une pratique “painterly”, adepte de la “touche” et des effets de matière. C’est à Larry Rivers que se réfère Hockney dans certains de ses tableaux des années 1960.
Hockney a très tôt conscience de son image publique, qu’il travaille par exemple en arborant des costumes lamés lorsqu’il est photographié pour la presse. Il a une conscience très aiguë de la communication et des phénomènes de starisation. Il évoque encore ces questions dans un texte qu’il vient de nous livrer pour le catalogue de l’exposition. Il se réfère à l’ère des mass media qu’il assimile à l’ère des stars, aujourd’hui révolue, pense-t-il, à l’heure des réseaux sociaux. Il est l’un des derniers produits starisés de l’ère des médias de masse. La façon dont il a peint son intimité affective et sexuelle, la culture gay, reste un point important de son œuvre. Très important en effet, cette revendication lui ayant permis de trouver sa propre voie artistique. Au Royal College, il connaît une phase de désarroi. Londres le confronte à la peinture contemporaine, à celle de Dubuffet, de Francis Bacon, de Jackson Pollock. Il ne sait pas quelle voie suivre, hésite. Jusqu’au moment où son condisciple Ron Kitaj lui dit : “Si tu ne sais pas quoi faire, peins ce que tu aimes le plus.” Hockney exprime alors les deux valeurs pour lesquelles il se veut militant : le végétarisme et l’homosexualité. Le végétarisme fait long feu. Son apologie de l’homosexualité connaît un succès plus durable. Elle est condamnée en Angleterre, et le sera jusqu’en 1967 – s’afficher homosexuel, c’était donc prendre un risque pénal. Hockney assume cette transgression dans une série de tableaux sans équivoques.
La force de David Hockney est de pouvoir se réinventer. Il applique authentiquement, presque naïvement, ce que l’avant-garde a toujours proclamé, mais peu appliqué dans le cadre d’une œuvre individuelle : l’aventure, l’expérimentation, le risque permanent. Hockney se met régulièrement en déséquilibre. Il reconnaît rater énormément, en s’appliquant à faire ce qu’il ne maîtrise pas, en adoptant des techniques, des sujets qu’il ne connaît pas. A tout moment son œuvre produit des déséquilibres, que ses dons et les expériences acquises lui permettent de dépasser.
Des piscines aux paysages du Yorkshire, du photoréalisme des années 1960 aux abstractions de la décennie suivante, a-t-on vraiment affaire au même artiste ? Cette diversité est la raison pour laquelle il est difficile d’identifier un moment précis dans une œuvre marquée par des accomplissements successifs, chacun, à son tour, aussi stimulant qu’inattendu. Des accomplissements successifs mais qui sont toujours déployés dans un certain isolement dans le paysage de l’art… Cela peut paraître encore une fois paradoxal, mais il ne fait qu’appliquer à la lettre l’ethos de l’avant-garde : ouvrir de nouvelles portes et, ouvrant ces portes, se heurter aux malentendus…
Des piscines aux paysages du Yorkshire, du photoréalisme des années 1960 aux abstractions de la décennie suivante, a-t-on vraiment affaire au même artiste ? Cette diversité est la raison pour laquelle il est difficile d’identifier un moment précis dans une œuvre marquée par des accomplissements successifs, chacun, à son tour, aussi stimulant qu’inattendu. Des accomplissements successifs mais qui sont toujours déployés dans un certain isolement dans le paysage de l’art… Cela peut paraître encore une fois paradoxal, mais il ne fait qu’appliquer à la lettre l’ethos de l’avant-garde : ouvrir de nouvelles portes et, ouvrant ces portes, se heurter aux malentendus…
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Allez lire le portrait bien complet de David Hockney sur le blog CULTURIEUSE
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Puis allez regarder plus d'images sur le site "officiel" Hockney.
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La fabrication de "Bigger trees..." pour la Tate. 12 mètres x 5, quand même.
Cigarettes with Hockney ; https://www.nowness.com/series/cigarettes-with-david-hockney/sketching-bigger-trees-near-water
video chronologique de Bigger trees ; https://thedavidhockneyfoundation.org/resources/film/making-of-bigger-trees-near-warter
80 shorts flims about Hockney : https://vimeo.com/224236406
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[focus] A bigger book par David Hockney
A bigger book est un livre SUMO hors normes (35 kg), qui retrace
le travail de toute une vie de peintre, celle de David Hockney. Ce
peintre unanimement célébré dans le monde entier continue depuis 60 ans à
inventer des formes contemporaines de peintures, à produire de très
nombreuses toiles parfois gigantesques, à réfléchir sur l'histoire de la
représentation en perspective, à mixer vidéo, palette graphique,
photographie, dessin au doigt, peinture de chevalet, portraits et
paysages — avec un égal bonheur, avec toujours la ferme intention de
nous apprendre à REGARDER.
Ce serait une belle ambition d'acquérir ce livre et qu'il soit consultable en permanence au CDI du lycée public Eugène Livet. Ce livre est un objet d'art qui serait communément accessible et que chacun pourrait manipuler sans pré-requis. Une forme d'art démocratisé en acte, en somme.
Ce serait une belle ambition d'acquérir ce livre et qu'il soit consultable en permanence au CDI du lycée public Eugène Livet. Ce livre est un objet d'art qui serait communément accessible et que chacun pourrait manipuler sans pré-requis. Une forme d'art démocratisé en acte, en somme.
[éditions TASCHEN]
A Bigger Book, la monographie de David Hockney éditée par TASCHEN en format SUMO,
est aussi spectaculaire par sa taille que par son ampleur. L’artiste y
revient sur plus de soixante années de travail, son adolescence à
l’école d’art de Bradford, sa percée dans le Swinging London des années
1960, sa vie au bord des piscines de Los Angeles dans les années 1970,
sa récente série de portraits, de dessins sur iPad, et les paysages du
Yorkshire.Jamais jusqu’alors l’œuvre de Hockney n’avait été publiée à une échelle si saisissante et propice à l’immersion. À mesure que les pages se tournent et révèlent des explosions fulgurantes de bleu, de rose, de vert et d’orange, on est ensorcelé par le talent de coloriste de l’artiste autant que par son extraordinaire sens de l’état du monde qui nous entoure. À travers son éternelle interrogation sur la perception et la représentation, on admire le reflet velouté de la lumière à la surface boueuse d’une flaque du Yorkshire, les immensités ocres de A Bigger Grand Canyon, la majesté simple de The Bigger Trees near Warter, et bien sûr A Bigger Splash et l’éclat exquis d’une piscine turquoise sous un ciel californien iridescent. Ces toiles majeures s’accompagnent des dessins, photomontages, collages à perspectives multiples, décors de théâtre, murs vidéo et dessins sur iPad, soit une panoplie de styles et de médiums par lesquels il regarde et donne à voir.
Hockney lui-même est présent dans tous les aspects de la publication. Il a étroitement collaboré à toutes les étapes de sa réalisation et a conçu ce livre comme un panorama purement visuel rassemblant plus de 450 œuvres, introduit par une préface manuscrite en forme de manifeste. Pour cet artiste qui regarde rarement en arrière, ce riche ouvrage est autant un compte rendu personnel qu’un ouvrage de référence pour tous les amateurs d’art dans le monde. «Je ne suis pas enclin à vivre dans le passé, explique-t-il. En travaillant sur ce livre, je me rends mieux compte de tout ce que je j’ai fait.»
Le somptueux portfolio du livre est accompagné d’une chronologie illustrée de plus de 600 pages, remettant l’art de Hockney dans son contexte à travers des dessins, des œuvres graphiques, des photos de portraits, ainsi qu’un essai écrit à partir des écrits personnels de Hockney et des critiques parues à son sujet. A Bigger Book est présenté sur son lutrin signé Marc Newson.
Édition collector limitée à 9.000 exemplaires signés, accompagnés d’un lutrin de Marc Newson
Édition de 9.000 exemplaires
Relié, 50 x 70 cm, 498 pages, 13 pages dépliantes, avec un lutrin de
Marc Newson et un volume de 680 pages contenant une chronologie
illustrée.ISBN 978-3-8365-0787-5
Édition: Anglais
Le teaser (en anglais) du bigger book [PDF]
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ARTICLES à propos du travail de David Hockney sur ARSAlive :
- De Vermeer à Hockney : à Propos de "Savoirs secrets" et de la représentation perspective
- Vermeer ré-inventé : à propos des appareils d'optique pendant le Renaissance
